Mmmh! Issus de milieux classique, jazz ou encore rock, ces musiciens semblent s’entendre à merveille et apportent chacun un grain de framboise qui a la juste saveur des musiciens talentueux. Rien à dire, leur nom est bien choisi et celui de l’album qui va sortir aussi : Shake off your monster. A se procurer immédiatement pour votre cure de printemps !

Nadja Stoller, ce n’est pas exactement une débutante. Avec différents projets, cela fait déjà de longues années qu’on peut l’entendre sur la scène musicale suisse. Elle nous a proposé du jazz avec le Nadja Stoller Trio ou un son plus pop ou chanson avec le groupe Lumi, qui partait déjà parfois dans des sonorités plus expérimentales.

Cette fois, Nadja Stoller est seule, pour un album, Alchemy, qui vient à peine de sortir, un disque épuré au son simple et parfois un peu plastique. Je ne dis pas ça de manière péjorative, mais simplement parce que le son très personnel que s’est créé la chanteuse a parfois l’air de sortir de jouets d’enfants, avec des boîtes à rythme et des synthés volontairement simples voire un peu cheap qui font par moment un peu musicien de rue, les fausses notes en moins.

http://www.youtube.com/watch?v=Qk5DiZcI9kU

Et ce n’est pas un hasard, puisque cet album a été pensé et répété de cette façon. A l’été 2009, pour s’aérer l’esprit, Nadja Stoller est partie de Berne avec quelques petits instruments dans sa valise, dont un keytar, un glockenspiel, une flûte, des maracas et j’en passe, et est montée dans le TGV en direction de Paris, pour s’installer avec sa musique au coin des rues et dans les couloirs du métro pendant 8 mois. Et là je ressens forcément une légère frustration, parce qu’à cette époque-là, j’étais moi-même étudiant à Paris. Je savais qu’il y avait potentiellement de bonnes choses (après tout, c’est dans le métro qu’on a découvert Keziah Jones) mais malheureusement, mon expérience musicale souterraine n’a jamais été particulièrement enrichissante. Elle se résume en gros à des séries d’accordéonistes manchots d’Europe de l’est qui massacraient le temps des fleurs en hurlant « S’il vous plaît monsieur madame, pour la musique ». Ah, si j’avais plutôt pu croiser Nadja Stoller…

Mais peu importe finalement, puisqu’elle nous est revenue, avec dans ses bagages de quoi préparer un nouvel album. Et comme je le disais, il y a quelque chose d’enfantin dans ce nouveau disque, que l’artiste revendique, disant qu’avec cet album c’est comme si on plongeait dans des souvenirs d’enfance, dans une pièce remplie de vos objets fétiches de gamin. Et pour ce retour en enfance, on est aidés par sa voix douce et très pure, qui fait par moments penser à celle de Nina Persson, la chanteuse des Cardigans. Nadja Stoller est seule sur la majorité de ces chansons, avec l’aide d’une loopstation et de nombreux instruments plus ou moins habituels, ou même plus ou moins classifiés comme instruments de musique, d’ailleurs. Le tout est plutôt pop, avec toujours un petit fond jazzy, mais peut faire penser par moment à Emilie Simon, voire Cocorosie ou Björk, en plus léger sans doute. C’est doux, mais le son est assez brut, avec un vrai côté live. On entend les respirations, les fins d’enregistrement où elle tapote sur la table et on s’attendrait un peu à l’entendre tousser en début de prise.

http://www.youtube.com/watch?v=VGaS3C4Ol-c

En choisissant une chanson à diffuser ce soir alors que je n’ai pas pu clairement définir si un morceau était censé être un single, je me suis rendu compte qu’aucun titre ne me semblait vraiment complètement représentatif du reste de l’album. Le choix était difficile, puisque Nadja Stoller s’amuse bien et fait joyeusement ce qu’elle veut. Du coup, j’ai choisi selon mon envie personnelle et vous trouverez dans le podcast la chanson 8, une chanson au texte un peu barré, à la gloire du chiffre 8, qui est probablement un clin d’oeil au One de Harry Nilsson, popularisé par la version de Three Dog Night en 1968. L’album Alchemy est normalement déjà disponible en version physique et sera sur iTunes autour du 4 novembre.

Alors comment résumer tout cela de manière satisfaisante… Le dossier de presse nous dit que si on a déjà regardé le coucher du soleil assis dans un fauteuil en osier, on sait de quoi est fait cet album. Je ne sais pas pour vous, mais moi ça ne m’avance pas beaucoup. Mais une petite chanson est sûrement mieux qu’un long discours…

Plus d’infos sur www.nadjastoller.ch - Et un bonus pour terminer : Nadja Stoller avec le groupe Lumi pour une reprise de This guy’s in love with you par Herb Alpert.

C’est une école que j’ai fondée il y a 28 ans, et qui s’occupe de l’enseignement des musiques actuelles : pop, rock, variété. Il y a environ 450 élèves et 26 enseignants.

Ah, ça fait beaucoup d’élèves ! Mais ils ont quel âge à peu près ?

Pour la section instrumentale, donc amateur je dirais, la courbe d’âge c’est une courbe en forme de cloche, qui commence à 12 ans, avec un pic à 17 ans et qui retombe à 22 ans. Avec un cinquième de filles pour quatre cinquièmes de garçons. Pour la section pré-professionnelle c’est la même courbe déplacée de cinq ans, donc ça commence à 17 ans, pic à 22 et descente à 27.

C’est plutôt jeune ! Mais apparemment, les adultes ont aussi leur place à l’ETM, et les élèves n’ont pas tous les mêmes attentes ni le même niveau…

Il y a des élèves qui sont totalement débutants, c’est un profil-type. Il y a des gens qui ont fait pas mal de musique, et qui tout à coup s’aperçoivent qu’ils ont une lacune et ils viennent en disant «voilà, j’aimerais me perfectionner en ci ou ça». Il y a des adultes qui ont fait de la musique quand ils étaient jeunes, qui ont arrêté pendant assez longtemps, et qui veulent recommencer. Et puis il y a des adultes qui n’ont jamais fait de musique et qui veulent commencer.
Il y a aussi deux questions : c’est «est-ce que je veux essayer d’en faire une profession ou une activité lucrative ?» ou «est-ce que je fais ça pour mon propre plaisir?».

Il y a en effet deux parties à l’ETM : mais quelles sont les différences entre elles ?

Il y a en effet une section qui est une section instrumentale, pour des gens qui veulent prendre des cours une fois par semaine, vraiment sous la forme d’un hobby. Et puis il y a une section pré-professionnelle, qui forme les élèves dans un cursus de deux ans, à pouvoir entrer soit dans une haute école de jazz par exemple, soit d’entrer directement dans la profession.

Et comment se passent les cours dans ces deux sections ?

Quand l’élève arrive, le professeur essaie d’identifier une demande ou des demandes : pourquoi il vient faire de la musique. Et ensuite, sur la base de cela, on formalise une sorte de contrat pédagogique et l’enseignant démarre avec ça.
Mais c’est pour la partie instrumentale, donc non professionnelle.  La partie pré-professionnelle est extrêmement encadrée : il y a un concours d’entrée sur la base de pré-requis. Ensuite, il y a deux ans avec un cursus extrêmement rigoureux. Donc là, la demande, c’est nous qui la déterminons…

Mais rassurez-vous ! Pour la section amateur, le programme n’est pas aussi carré…

Nous avons un système d’enseignement qui est basé beaucoup sur la demande des élèves. On pourrait presque dire que ce sont des cours «à la carte», construits sur les besoins de formation des élèves. Nous avons un programme cadre, mais que nous n’appliquons pas de manière tout à fait obligatoire.

Et ça représente combien d’heures de cours par semaine ?

Un cours par semaine de trois quarts d’heure ou d’une heure pour l’instrument. Dans la filière pré-professionnelle les élèves ont entre 14 à 18 heures de cours par semaine. De différents cours… Dans cette section-là nous avons passablement de cours d’instruments, mais on a de l’harmonie, du solfège, du développement de l’écoute, du repiquage, il y a des cours de lecture sur instruments mais il y a aussi du droit artistique, il y a l’attitude scénique, de l’organisation personnelle, il y a du studio, du développement de sa carrière sur internet… Donc c’est vraiment un cursus tout à fait complet pour pouvoir entrer en phase avec la profession.

Les professeurs, ils doivent être d’excellents musiciens pour pouvoir enseigner ici, non ?

C’est le premier critère mais c’est pas le principal. La profession ici c’est d’enseigner. Et alors, un peu par provocation, je dis quand je reçois des nouveaux enseignants, «si vous venez travailler à l’ETM, vous aller enseigner la musique avec un petit «m», mais enseigner avec un grand «E». Et maintenant de plus en plus, on va vers une professionnalisation de l’enseignement de la musique.

Et on joue de quoi à l’ETM ?

La grosse demande depuis le début c’est la guitare. Ensuite, à peu près à parts égales, le chant, la basse, la batterie et le clavier. Et ensuite, il y a d’autres instruments qui sont un peu plus confidentiels, on a de l’harmonica, il y a aussi du banjo à cinq cordes, il y a de l’accordéon, tout ça orienté quand même rock et jazz.

Mais l’ETM n’est pas qu’une école où on apprend à jouer de la musique…

Le nom de l’école au complet c’est «école des musiques actuelles et des technologies musicales». Donc nous avons un département qui concerne en fait la musique assistée par l’ordinateur. Donc composition, arrangements… Nous avons des postes informatiques qui permettent de sortir des disques ici.

C’est donc une école tout à fait complète, qui permet d’ailleurs aux élèves de sortir chaque année un disque avec leurs propres compositions ou interprétations !

Et voilà. Les Azimutants avaient enfin terminé leur tour des écoles de musique. Mais pour apprendre à jouer d’un instrument, les écoles ne sont pas une étape obligée : beaucoup d’élèves optent pour de cours privés, avec un professeur qui se rend à domicile ou reçoit directement chez lui. Et là, le meilleure moyen pour trouver le prof parfait, c’est le bouche-à-oreille !

Le temps passait vite passait vite dans le monde de l’industrie musicale. Et maintenant qu’ils avaient chacun trouvé un cours pour devenir de meilleurs musiciens, les membres des Azimutants devaient trouver un local où répéter.
Mais avant cela, il fallait régler un problème de taille : le rôle d’Arthur dans le groupe.

Léon avait enfin pris son courage à deux mains et lui avait parlé : dans un groupe de rock, y’a pas de violoniste.

La dispute avait été terrible, les autres membres étaient paralysés, et aucun d’entre eux n’osaient prendre parti pour l’un ou pour l’autre. Léon tentait de raisonner Arthur, et celui-ci hurlait à la trahison. Leur longue amitié semblait enterrée pour de bon. Arthur quitta le groupe en disant qu’il ne voulait plus jamais ni voir ni entendre parler des Azimutants…

Léon allait-il réussir à se réconcilier avec son meilleur ami ? Les Azimutants allaient-ils pouvoir survivre au départ d’Arthur ? Le groupe allait-il trouver un endroit où jouer ensemble ? Rendez-vous la semaine prochaine sur Radio Cité pour découvrir un nouvel épisode de l’odyssée de l’industrie musicale.

Eugénie avait découvert qu’une basse n’avait que quatre cordes. Elle avait toujours pensé qu’il y en avait autant que pour une guitare, mais qu’elles étaient simplement un peu plus grosses. Et Jeremy s’était rapidement rendu compte qu’il ne suffisait pas d’un seul rythme pour toutes les chansons. Quant à la belle Charlotte, elle avait beau ne pas douter de son talent, pour l’instant, c’était son pommeau de douche qui profitait de ses vocalises. Et oui ! Qui aurait cru que sous ses airs de diva sûre d’elle, Charlotte avait la voix tremblante en public ?

Bien, retour à l’école pour tout le monde ! Mais cette fois, pas question de retourner mollement au cours de musique du collège pour amateurs. Non ! S’ils veulent devenir de vraies rockstars, il faudra qu’ils sachent jouer correctement de leurs instruments !

Pour cela, rien de mieux que de prendre des cours de musique auprès de professionnels. Deux grandes voies s’ouvrent à eux : les cours privés et les cours en école de musique.
Et cette semaine, les Azimutants rencontrent Maurice Magnoni, musicien professionnel et enseignant à l’AMR à Genève, qui leurs parlent un peu de cette institution toute particulière

Au départ c’est une association de musiciens qui a décidé d’essayer de prendre son destin en main, dans la mesure où, c’est à dire en 71-72, il n’y avait rien à Genève. Et donc petit à petit on a organisé des concerts de gens de l’extérieur, pour notre propre culture et plaisir, puis on a commencé à monter des orchestre, on a obtenu des salles de répétitions, mis sur pied des festivals… Nous avons obtenu un centre musical dans les années 80, qui est le «Sud des Alpes» qui se trouve au 10, rue des Alpes. Et maintenant c’est une grande association, c’est presque une institution, qui organise une centaine de concerts dans ses murs par année, à peu près autant de jam sessions, des stages, qui met à disposition des locaux de répétition, pour je ne sais pas combien de dizaines de personnes par jour, et puis qui organise un festival en plein air qui est les Cropettes, et voilà !

Et en plus d’être une institution aussi variée, l’AMR a une philosophie originale.

Il y a trois volets essentiels et indissociables du travail de l’AMR : c’est la diffusion, c’est-à-dire les concerts ; la transmission, à savoir l’enseignement et les ateliers, qui sont des cours en orchestre. Il n’y a pas de cours individuels, ce ne sont que des cours en orchestre constitué. Et puis la gestion du centre musical, qui sert essentiellement à mettre à disposition des structures pour les musiciens, pour qu’ils puissent avancer, travailler et répéter…

D’accord, voilà pour la partie historique. Mais qu’est-ce qui distingue l’AMR des autres écoles de musique ?

A savoir que un, l’AMR n’est pas une école de musique, puisque la partie transmission n’est qu’un seul des trois aspects de son travail. Deux, nous sommes subventionnés, parce que sans subventions, ça tourne pas. Et trois, les modalités de transmission ! Parce qu’on ne travaille qu’en orchestre constitué !

Mais Eugénie a un doute… L’AMR, ça serait pas une école de jazz ?

Le fameux Bill Evans disait : «le jazz n’est pas un style, ce n’est pas un langage, c’est un processus créatif».

D’accord, donc ça veut dire qu’à l’AMR, on ne joue pas que du jazz, mais qu’on adopte son état d’esprit ! Hé oui, ce n’est pas pour rien que l’AMR signifie Association pour l’encouragement de la Musique impRovisée… Mais les profs. Est-ce qu’ils font tous de l’improvisation ? D’ailleurs, est-ce qu’ils ont un profil particulier ?

Ça n’a pas de rapport avec le profil. Ça a un rapport avec ce que les gens ont dans la tête.  Mais il y a un mode de fonctionnement : on est dans du collectif, on est dans de l’auto-géré, on est dans de l’auto-organisation. C’est à cet endroit-là qu’un éventuel profil… peut se profiler justement !

Ah oui, c’est vraiment un état d’esprit qui lient les membres de l’AMR ! Et les élèves ? Est-ce que EUX, ils ont un profil commun ?

Il y en a pas. Encore moins que pour ceux qui enseignent. Il y a de tout, juste absolument de tout. Tout en terme de classe d’âge, tout en terme de compétence, tout en terme d’envie, tout en terme de projet…!

Ah oui, c’est plutôt varié ! Et sinon, est-ce que l’AMR favorise un instrument particulier ?

Il n’y a pas de cours d’instruments, donc ils sont tous mis en avant, et personne n’est mis en avant ! Il y a les instruments que les gens amènent, c’est tout.

C’est donc ouverts à tous les musiciens, autant grands débutants que passionnés ! Et justement, ça représente combien d’heure de travail par semaine la pratique d’un instrument ?

La seule chose qu’on peut dire, et de manière systématique, c’est à peu près comme les calories. Un sportif grille des calories quand il court, mais aussi quand il dort.  Et on apprend quand on travaille, mais aussi dans des périodes où on travaille pas. Pour autant que les périodes de travail soient régulières.

Et oui, la musique, c’est pas n’importe quoi ! Pas question de toucher sa guitare ou sa batterie une fois toutes les deux semaines si on espère progresser ! Et sinon, Maurice Magnoni, un dernier conseil pour nos apprentis musiciens ?

L’investissement personnel, c’est la seule clef. Et cet investissement personnel ne doit pas être trop en rapport avec la volonté. Il doit être en rapport avec la détermination, avec l’envie, et la curiosité infinie…

Et c’est sur ces belles paroles que les Azimutants quittent Maurice Magnoni, saxophoniste, clarinettiste, flûtiste, et enseignant à l’AMR, à Genève !

Revenons maintenant à notre jeune groupe. Vous rappelez-vous… Il y a quelques semaines de cela, Léon trouvait qu’Arthur n’avait plus sa place dans le groupe. Les Azimutants semblent se diriger plutôt vers le rock, et un violoniste n’a pas vraiment sa place dans ce style.
Mais comment le dire à son ami, et aux autres membres du groupe ? Arthur a pourtant toujours été un des meilleurs amis de Léon, le groupe, c’était son idée, et surtout, c’est son père qui a payé les instruments de chacun…

Et là, Léon a une idée : si Arthur n’a pas sa place comme musicien au sein du groupe, il pourrait tout à fait continuer à en faire partie, mais en faisant autre chose ! Mais quoi donc ? C’est vrai que Léon ne s’est jamais vraiment posé de question quant aux autres métiers de l’industrie musicale…

La semaine prochaine, les Azimutants rencontreront Alexis Trembley et Laurent Wyler, professeurs à l’EPI, qui leur présenteront leur école !

Programmation du festival Jazz sur la Plage 2011:

Une carrière musicale au sein de l’Orchestre symphonique coréenne puis des comédies nationales,  avant de tomber sous le charme de Paris… et du jazz: voilà la route qu’emprunta la jeune coréenne. Son chemin artistique ne faisait que commencer (et il sera placé sous le signe de la bonne étoile). Entre Paris, la Corée et jusqu’à l’Australie, les spectacles et les collaborations se succèdent sans relâche. En 2003, Youn Sun Nah connaît enfin la « prophétie » dans son pays en devenant lauréate du Prix de la Meilleure Artiste Jazz de l’année. Six ans plus tard, c’est le titre de Chevalier des Arts et des Lettres qui lui est remis en France. Après avoir délibérément adopté ce pays, ce prix se présente comme un juste retour des choses. Avec la sortie, fin septembre 2010, de son nouvel album « Same Girl », l’accueil du public et des médias est toujours plus enthousiaste en France. Le 12 janvier 2011, « Same Girl » est récompensé par l’Académie du Jazz et se voit octroyé le Prix Mimi Perrin du Jazz Vocal 2010. A l’heure où nous rédigeons cet article, cet album lui vaut encore d’être placée dans le Top 10 des ventes de jazz en Europe.

Singulière et juste, Youn Sun Nah échappera sûrement à l’effet de mode, elle qui se destinait à la carrière de styliste… Son septième et dernier album « Same Girl » se présente comme un florilège d’univers et de langues distinctes, à l’instar des multiples déclinaisons de son art. Loin d’avoir oublié ses origines, celle-ci a également conçu pour son dernier album une adaptation d’une chanson traditionnelle coréenne intitulée « Kangwondo Arirang ». De même, elle rend hommage à un « Ne me quitte pas » dont l’interprétation ferait pâlir plus d’un prétendant au chant. Pour ceux dont la facette caméléonique de Youn Sun Nah n’est pas encore devenue évidence, citons seulement encore sa version d’« Enter Sandman » de Metallica. Avec Youn Sun Nah, une funambule est certes née sous le ciel du jazz, sourire balsamique en prime.

Texte: Jessica Da Silva Villacastin

Mark Berube and The Patriotic Few (Kristina Koropecki au violoncelle, Patrick Dugas à la batterie et Amélie Mandeville à la basse) part d’une expérimentation antérieure à laquelle s’ajoute des arrangements grandioses de cordes et de cuivres, permettant d’aiguiser les voix impressionnantes et forces de chacun des musiciens, livrant un remarquable mélange de folk de chambre indie.

« June In Siberia » a été enregistré par Howard Bilerman (Arcade Fire, Basia Bulat, Silver Mt Zion) à Montréal.

Une interview réalisée au Paléo Festival de Nyon 2010.

(Texte tiré du site internet du Paléo Festival de Nyon 2010 et du site officiel de l’artiste.)

Avec la sortie, fin septembre 2010, de son nouvel album Same girl, l’accueil public et médiatique est toujours plus enthousiaste en France. Le 12 janvier 2011, “Same Girl“ est récompensé par l’Académie du Jazz en recevant le Prix “Mimi Perrin“ du Jazz Vocal 2010 (pour le meilleur album de jazz vocal de l’année). Singulière et juste, Youn Sun Nah échappera sûrement à l’effet de mode.

Youn Sun Nah sera en concert samedi 14 mai prochain au Studio Ansermet à Genève. Réservation fortement recommandée auprès de la Fnac.

Comme dans un conte, ce premier album « Tales » nous emmène dans un voyage étrange. Si, lors de la première minute, la musique semble nous emmener dans un univers pop-rock, les surprises nous attendent et nous maintiennent en haleine. De la boîte à musique au Dub éthiopien, en passant par des consonances celtiques, nous voilà entraîné dans une aventure où la douceur se mêle à la folie. Orioxy capture notre attention en réveillant ce monde imaginaire qui demeurait caché sous notre lit.

Venez découvrir le monde d’Orioxy pour son vernissage le 22 octobre 2010, au Chat Noir dans le cadre du festival JazzContreBand à 21h30!

Pour plus d’infos: http://www.orioxy.net/

17h00 – Cour du château Le Swiss Yerba Buena Creole Rice Jazz Band
18h30 – Band Itinérant Swing De Fou
19h00 – Scène de la Plage Orioxy
20h00 – Scène des Dix-Vins Les Desaccordes
21h00 – Scène de la Plage Red Planet
22h00 – Sur la scène des Dix-Vins Gadjo Loco Quintet
22h00 – Caveau des Vignerons Pat’s Delight
23h00 – Scène de la Plage Hope Project

Dans son pays natal, le tango fait partie intégrante de son quotidien, mais il lui faudra passer plusieurs années en Europe pour ressentir l’appel de ses origines. Après s’être attardé dans le monde du jazz, c’est le tango authentique qu’il part retrouver à Buenos Aires; dès lors il sollicitera ses talents d’improvisateur jazziste et de compositeur pour allier ces deux genres en un langage original.

Dans cette quête, c’est une voix singulière qui s’exprime, une identité propre qui se dévoile, à l’instar de ces courtes phrases par lesquelles il a tenté de nous décrire sa passion: « La musique c’est l’organisation des sons. Les sons transmettent des émotions et je m’exprime à travers ceux-ci. ».

Compositeur « pour le plaisir » de musiques de films, de théâtre, de danse, il a également composé et joué au sein de nombreuses formations musicales, telles Tango Nomade aux côtés du pianiste Argentin Juan Maria Solare ou Libertango, formation genevoise qui a compté avec la voix de la lyrique Maria de la Paz.

Bravant le proverbe « Nul n’est prophète en son pays », Eduardo Kohan est invité à La Academia Nacional de Tango de Buenos Aires le 6 décembre 2007 pour jouer et discuter sur l’improvisation dans le tango, après s’être illustré à La Academia de Tango de Uruguay dans le concert d’hommage au poète Homero Manzi.

Aujourd’hui, après avoir dirigé l’Atelier Tango à l’AMR de Genève en 2006 et 2007, il continue à dispenser son savoir-faire à travers ses « Outils pour l’improvisation », rubrique didactique du magazine « Viva la musica » de l’AMR et à « composer spontanément » en compagnie de musiciens qu’il rencontre au fur et à mesure de ses déambulations musicales.

Vous pouvez le rencontrer en solo avec ses mélodies croisées dans le CD « L’Air des Bains », une compilation toute estivale proposée par les Bains des Pâquis, et d’ores et déjà le découvrir à travers l’entretien intimiste auquel il s’est livré, chez nous, chez Azimut!

Cet espace, ils l’ont trouvé dans la richesse de l’œuvre de l’initiateur du Tango Nuevo, Astor Piazzolla. C’est ainsi que le quintette fait fi du sacro-saint bandonéon, au profit d’une orchestration ultra-personnelle à l’expressivité intense, à travers les arrangements du guitariste, Ignacio Lamas.

C’est véritablement lors de la co-production avec le Théâtre-de-Vidy de Lausanne pour les représentations au Théâtre Municipal de Lausanne que le spectacle Tango Nuevo atteint sa version la plus épanouie, notamment grâce au subtil concours du metteur en scène et dramaturge italien Stefano Di Lauro.

Depuis, le quintette s’oriente vers une musique classique actuelle, découvrant l’univers de compositeurs tels qu’Egberto Gismonti et Dino Saluzzi. Le Quintette travaille avec des compositeurs contemporains ainsi que sur leurs propres compositions. Ils explorent également le domaine de l’improvisation.

En décembre 2005, Boulouris 5 crée »Concert en 5 actes », un spectacle musical sur le thème des humeurs conçu en collaboration avec le chorégraphe espagnol, Cisco Aznar.

Un peu d’avenir:
En attendant la sortie de son premier disque (« Madame », 10 titres auto produit, sortie prévue début mai): concerts, concerts et re concerts avant, pendant et après l’été.